Florencia presenta a los monos de la odisea del espacio

https://florenciaylosmonosdelaodisea.bandcamp.com/

probablemente hacer una crítica de tu propio disco no sea más que una autocrítica, una toma de conciencia de lo que hacés. como ya alguno sabrá o pueden leer por ahí, el disco fue grabado íntegramente con un sólo micrófono y una computadora que no tiene casi ninguna placa de sonido, o lo que realmente merece ser llamado así. más allá de estos detalles insignificantes para el que escucha el disco, lo que me sorprende es haber logrado esa pureza y esa frescura que parecía imposible con tantas canciones, con tanta letra, con tanta oscuridad, tristeza y dolor. a pesar de todo eso, y de los esfuerzos evidentes de la cantante por sentirse cómoda con su propia voz confesando toda una serie de fantasías que involucran desde el sexo nunca concretado entre chicas, una pérdida muy fuerte que oscila entre la ausencia, el vacío y una búsqueda incesante de ese ser monstruoso que conjugue todo sus deseos; el disco se desliza, y con mucha gracia a través de 10 canciones plagadas de guitarras una encima de la otra, que atacan, que cubren, que llenan, que se multiplican, para cerrar una historia que se calma en el medio con una canción instrumental que en realidad tiene letra y se toca en vivo, y que es tal vez el eje alrededor del cuál gira todo el dolor y la angustia. por momentos podría parecer que no vas a pasar de la 3ra canción, sobre todo porque se vienen algunas sin batería y sin bajo, más sin embargo, una vez más, las guitarras y las ideas, sencillas pero efectivas, logran meterte de nuevo en ese mundo íntimo y cerrado de Florencia y los monos de la odisea del espacio.

para agregar, las tapas diseñadas por gustavo nieto y pensadas por florencia y los monos, dicen un poco más acerca de la personalidad del disco, no por la selección de algo que a todos nos gusta como el cine de casavettes con gena rowlands, sino porque cada una de las situaciones, que esas imágenes de gena representan, en la historia que nos cuenta el disco, acerca de florencia, de los monos, de florencia con losmonos, los otros, el espacio y esa odisea que es la creación misma de algo, va a quedar ahí, en juego, para siempre, en un disco.

gracias hernán por la fe y el corazón.
gracias mamá por darme tanta letra cuando te fuiste
y gracias a todos los que me rompieron y siguen rompiendo el corazón.
gracias al whisky y a los amigos y a la diversión tb.

Lick the Star (1998)

con este corto http://www.youtube.com/watch?v=UzsrgDgmZrI sofia coppola abre su hermosa carrera, donde no me vengan ni me vaya con lo de niña rica, porque eso desde cuándo que es una excusa para hacer cosas, quiero decir, también podría haberse dedicado a andar de fiesta y drogarse nomás con la plata del padre, pero en cambio, le agarró las cámara y se puso a jugar y flashear con las niñas, pre-adolescentes, minitas en gral. y lidiar con sus problemas tanto íntimos como sociales y existenciales. este corto, además, cuenta con la aparición de marnie (allison williams-girls), en esta foto que inserto aquí

marnie es la de la izq. -me olvidé de redondear con rojo esa parte en el paint (sori).

el corto dura menos de 15min. está filmado en B y N como podrán apreciar y acerca de unas chiquitas que van a la escuela y se copan con un libro, y con una de las chicas en particular, debido a su arrolladora personalidad, que después se volverá en su contra cuando la clase descubra algo acerca de sus orígenes y eso se volverá motivo de rechazo general y caída del ídolo. podríamos decir que la película está vista a través de los ojos de kate, que se acaba de quebrar, y es la niña insegura, que está buscando pertenecer en ese mundo de escuela secundaria que todos sabemos tan horrible y cruel, sobre todo en la adolescencia y en las niñas. hay escenas muy 'logradas', como la que ocurre en los cambiadores, donde las pendejas se hacen las mil y una, otra de la regadera como si fuera una metralleta, y este plano de las niñas en los lockers que es una tremenda foto, enlazada con la de la ídola escribiendo una cartita de no me acuerdo qué porque la vi sin subs y no sé tanto inglés como debiera (?). 

Kick-Ass (2010)

no le daba ni diez ctvos. pensaba que era otra tonta película yankie adolescente, pero basada en un cómic. bueno, WRONG! Kick-Ass es una película oscura, siniestra, graciosa, violenta, que te vuela los sesos y hasta te hace llorar.
la película me la había recomendado un amigo hace unos años, un amigo en quien confío a la hora de "criterio", pero por alguna u otra razón siempre me decidía por otra cosa -sí, iba al videoclub todavía en el 2010-.
en fin, la película se trata obvio de un loser muy piola, fan de los cómics, que se plantea la idea de qué es un superhéroe. de por qué nadie hace nada cuando a alguien le están robando, por ejemplo. el chabón piensa que eso no debiera ser cosa sólo de un superhéroe, o que una persona real, común y corriente no debiera dejar pasar como si nada. así, un día, se decide a comprar un traje por internet, un traje de superhéroe, cansado de hacerse la paja, de skypear con su mejor amigo, de que nadie entre a su myspace, etc. cuando le llega el traje, se lo pone y sale a ver qué onda. el resultado es que recibe una tremenda cagada que casi lo mata. después de esto, no escarmienta y, una vez recuperado, sale nuevamente a velar por las vidas ajenas. en ese segundo encuentro con la justicia, unos salames van a filmar lo que pasa con sus celulares y el chabón va a salir en la tele, y se va a convertir en kick-ass el héroe de culto del momento.
por otro lado, tenemos al magnate, traficante, hípercapo y sexy, con un hijo imbécil, que hace y deshace a su antojo en la ciudad, gracias a su sucia cantidad de dinero que obtiene a través de sus negocios turbios, en fin, un "empresario". el tipo tiene un quilombo con una buena cantidad de droga, que se pierde fantasmalmente en manos de una especie de batman, que describe el pobre dealer acusado de robarse la merca y venderla por su propia cuenta.
el tipo que se parece a batman es un personaje interpretado por nicolas cage, quien representa al verdadero superhéroe: un ex policía al que frank, el magnate, ha dejado en la cárcel y le ha quitado lo más preciado de su vida: su mujer, que se ha suicidado, y tiempo con su hijita, que es su aprendiz de superhéroe. bueno, y aquí es donde la cosa se pone más que buena, porque esa niñita se va a convertir en la verdadera estrella de la película, tanto así, que te lleva a pensar seriamente en la pedofilia #perdón.
llega un momento en que vos pensás que estás viendo una película para chicos, pero no, se arma el bardo y mal. escenas colmadas de una violencia insoportable, secuencias muy buenas de pelea, y nada de sentimentalismo barato. el padre que es una mierda es una mierda, el padre que tiene que morir muere, los nerds que finalmente tienen que culiar, culian, y así. y hitgirl y kick-ass no van a salvar a nadie, más que a ellos mismos, y van a aprender la lección y a entender que el mundo es un lugar malo, feo y oscuro en el que hay que sobrevivir. besis B-)

Only God Forgives (2012)

ahora sí. no sé hace cuánto que no veo una película que tenga toodo lo que me gusta del cine, probablemente no sea hace mucho, porque soy una exagerada, obvio, pero cómo no serlo con semejante filme.
nicolas winding refn ya me había impresionado con Pusher allá por mi adolescencia cuando con mi amiga pía alquilábamos los vhs de El Ojo del Cine. más tarde, el año pasado sin ir más lejos, un grandioso día en bs as en el que pasaron muchas cosas y no tenía nada que hacer, le digo a guido que nos encontremos en un cine horrible del centro a ver Drive.
bueno, Only God Forgives es para mi gusto 10.000 veces mejor, sobre todo por el alto contenido de esa violencia estilizada tan adorada por quien les escribe. no hay nada que me entretenga, conmueva y estremezca hasta las huesos más que este tipo de películas, donde el tiempo parece estar como condensado, o en una especie de tupper que funciona como maqueta, con lucecitas de colores, juegos y música. así es el clima de OGF, todo el tiempo, una mezcla de ensueño y acción, de escenarios totalmente montados para que suceda una sola cosa, una sola acción, aletargada, para suavizar el impacto. hay momentos en los uno entiende que no pasa absolutamente nada, que nada tiene sentido en la película, justamente porque el entramado de las imágenes es lo que narra. casi nadie tiene nada para decir. lo único que pasa a ese nivel es cuando la madre de julian, la irreconocible y fantástica kristin scott thomas, le habla a su hijo desde el fondo de ese corazón muerto que tiene ahí adentro y le dice que es verdad que ella no lo entiende, que él tiene razón, etc. ryan gosling debe decir dos palabras en toda la película, sólo deambula cual zombi por ahí, como un espectador casi impotente, salvo cuando se decide a reaccionar, pero no puede salvar a nadie ni quiere tampoco.
la película es realmente perfecta, cada escena, cada cuadro está inquietantemente detallado, cada cosa está ahí porque tiene que estar y cada escena se vincula con la siguiente con la sutileza de un

maestro del cine. no escatima en imágenes de violencia, pero lo hace de una forma tan sutil, con el sólo hecho de ahogar un grito descarnado, o llevarte hasta el extremo de querer taparte los ojos (como le dice el tailandés a las mujeres: que pase lo que pase mantengan los ojos cerrados). escenas de ese tipo hay miles, o parecen ser miles, porque todo está tan bien tejido.
otra vez Refn trabaja con Cliff Martinez, que con su música genera unos ambientes exactos para el desarrollo y el revuelo de las situaciones que propone Nicolas. los cuadros musicales son escenas del cine más puro y agradable que yo haya visto. es como la suma de las mejores escenas de tus directores favoritos. la vería todas las noches, porque es tan buena y entretenida que seguramente me hace despertar con la espléndida sensación de que sí hay películas que puedo ver enteras y que no me dan sueño, sino que me despiertan y me hacen creer nuevamente que el cine es algo verdadero y posible. bueno, me pasé, pero en serio, hacía mucho que no veía algo que realmente tuviera todos los ingredientes de lo que, al menos yo, considero cine, y que es esa cuestión de contar con las imágenes, simple y llanamente.

Sólo dios sabe (2013)

me levanté inclinada hacia la poesía. tal vez sea porque anoche leí a una chica rubia que escribe muy bien y poético y quise ser como ella. cuando yo era más chica escribía así: lírico, ahora hablo y hablo, narro un montón de cosas que no tienen la contundencia de decir que tomaste una taza de café y el cielo estaba amarillo y había hollín en el piso del patio de invierno. tal vez ahora piense más o quiera escaparme de la telaraña que emerge de las redes sociales, de estar todo el día conectado, de ser un infeliz. la chica rubia que escribe bien decía algo así de facebook, que la gente ahí mostraba su infelicidad. sentí un poco de náuseas, la verdad. más náusea de lo que me puede haber generado una escena de Only God Forgives en la que el mafioso oriental le cruza una peineta como una cuchilla al mafioso colorado de oreja a oreja. cerré los ojos en esa escena. la película no tiene mucho sentido, pero hay algo en las imágenes de violencia, una estética puntualmente de la ficción, porque tengo la sensación de que la violencia no puede ser real, no es real, por eso es que nos fascina tanto. me desperté balbuceando un sueño recurrente en el que alguien me pregunta cómo son las niñas, qué las diferencia de los niños, así, como si fuesen seres de otra naturaleza, los niños y las niñas, y yo me quedo tildada en decir que las niñas tienen el pelo largo y rizado y la piel suave y rosada, y eso es todo, pero que también tienen las rodillas ásperas y paspadas y son malas y salvajes como esas flores silvestres de color amarillo. en cambio los niños son buenos y necesarios como el carbón, eso digo, como el carbón. como si estuviera pensando en películas norteamericanas parecidas a la novicia rebelde o mary poppins.

por ahora decidí apagar todo esto, olvidarme de la chica rubia, almorzar una pastilla de espirulina, tomar café, no atravesar a nadie con una filosa peineta de oreja a oreja y reflexionar acerca de que ryan gosling no está tan bueno, y tiene tetas de niña, al menos en esta película, y kristin scott thomas parece una madre travesti.

Crumb (1994)

hablando con andy birks llego a este documental sobre el dibujante, ilustrador, creador de comics Robert Crumb, producido por David Lynch y dirigido por Terry Zwigoff. si bien nunca me interesaron mucho los comics, tal vez porque me fascinaron siempre más la literatura y el cine que los dibujos y las pinturas, o tal vez porque soy una artista plástica fracasada (blaah), me gustaría leer alguna de las historietas de Crumb, que a partir del dibujo muestra un mundo horrible que siempre lo rechazó por freak, o por lo que fuere. así y todo el tipo se las ingenió para culiarse a varias de esas mujeres que tanto desprecio como deseo le produjeron a lo largo de su vida. los dibujos de crumb son obscenos, montruosos, patéticos, misóginos, racistas, violentos y de una intensidad irresistible, o sea, dibuja muy bien, eso es todo lo que puedo decir "técnicamente" hablando. volviendo al documental, que es lo que más me interesa, me quedé totalmente alucinada por estos tres hnos. que son como los tres chiflados, de hecho, el más normal, digamos, de los crumb es robert, porque max es como una especie de fakir , que se rescató de casi ser un violador, pero que es esquizofrénico si mal no recuerdo, y también artista plástico. charles, quien es el ídolo de robert, y por quien le viene la pasión por el dibujo es un tipito hermoso y depresivo que vive con la madre y sus gatitos en una habitación estrecha, con muchos libros, que ya ni lee y que trató de suicidarse un par de veces. lo más emotivo acerca de charles es su lucidez y sentido del humor, y lo que más admira de él robert, además de haberle pasado la pasión por el dibujo, es esa capacidad para alienarse, para alejarse del mundo real, capacidad que también lo llevará prácticamente a desaparecer.
la vida de r. crumb es como la venganza de los freaks, porque finalmente el tipo logra anclarse en el mundo, tener una familia, culiarse minitas, etc. desde el lugar más raro del universo: el de ser amado por irreverente. así, de alguna forma, con su fama, logra reivindicar a sus hnos. y al under en general, negándose también a las grandes ofertas que recibió cuando se hizo conocido. so, on your face america!
me gustan los documentales sobre artistas en general (jaa), y este es excepcional, bastante. Gracias biiirks!

The Truth about Cats & Dogs (1996)

la verdad acerca de perros y gatos es una comedia romántica común y corriente y no demasiado brillante, pero a diferencia del resto de las comedias románticas tiene un planteo acerca de la autoestima, que se refleja en su protagonista, la veterinaria Abbey Barnes, interpretada por Janeane Garofalo, que si bien no cumple con los cánones de belleza por los que se rige el mundo, es bastante linda, culiao. la historia gira alrededor de esta encantadora, culta, inteligente y graciosa veterinaria, que tiene un programa de radio al que la gente llama para que ella los ayude con sus mascotas. la cosa se arma cuando llama Brian, un chico sensible, que saca fotos, y se queda enganchado con un perro en una sesión porque el chabón no se quiere sacar los patines, o sea el perro, entonces llama al programa de Abbey y ella le enseña como tranquilizar al perro, acercarse a él y de esa forma poder sacarle los patines. una vez que lo logra, abbey incita a brian a quedarse con el perro. finalmente, lo convence. brian queda fascinado por la forma en que logró convencerlo y quiere darle las gracias personalmente así que la invita a salir, y como abbey no se siente muy cómoda consigo misma porque es bajita, gordita (ni tanto), no se pinta, se viste como de un sólo color (?), le dice que sí, pero sabiendo que no va a ir. en ese momento el chabón le pregunta cómo es ella para reconocerla, ella mira una propaganda de una revista y le dice que es rubia, alta y flaca.
abbey nunca acude a su cita con brian. en el medio conoce a su vecina, noelle (uma thurman), que tiene un novio que es como un fiolo. una noche, tocando el violín en su casa, con su gatito/a abbey los escucha pelear y sale afuera a defenderla. el chabón le está diciendo gorda a uma thurman! OSEA. bueno, listo, todo dicho, la película es acerca de ser rubia, alta, flaca y tonta; y ser petisa, gordita y muy capa.
noelle y abbey van a comenzar una profunda amistad basada en la admiración mutua, pero el quilombo se va a armar cuando brian vuelva a la carga por abbey, ya que no fue a la cita que tenían, y abbey, tan insegura de sí misma, va a ser un tramullo malísimo para que noelle se haga pasar por ella casi sin querer queriendo.
la película es moderada, en todo sentido, es moderadamente graciosa, moderadamente romántica, está aceptablemente escrita y tiene un par de escenas muy bien filmadas para mi gusto, que resaltan el paisaje. la ciudad en la que viven no sé cuál es, o no me acuerdo, pero es muy hermosa. el acento inglés de ben chaplin hace a su personaje muy atractivo y seductor, y uma thurman, bueno, no sé, ya saben, a mí no me gusta uma thurman at all, así que no tengo nada que decir de ella. hay una situación muy lograda, más o menos a la mitad, que es cuando brian y la verdadera abbey tienen una laarga conversación telefónica, que no tiene nada que envidiarle a la era de las redes sociales B-)
Insisto, janeane garofalo es muy linda, culiao! bueno, está bien la peli, entretenida, y todas las gorditas, petisas e inteligentes #síclaro nos vamos a sentir bien con esta comedia de los 90's.

Detalles de Grabación (3)

si ponés en la búsqueda de google la frase audio adobe te sale esto http://adobe-audition.softonic.com/, en realidad dice Adobe Audition Descargar. sí, el programa se llama así Adobe Audition, antes se llamaba Cool Edit Pro y es una aplicación, no un programa, que sirve para la edición de sonido, o audio digital.

permite tanto un entorno de edición mezclado de ondas multipista no-destructivo como uno destructivo, por lo que se le ha llamado la "navaja suiza" del audio digital por su versatilidad. No es DAW, sino un editor de sonido. 

Una Estación de trabajo de audio digital o DAW por sus siglas en inglés (Digital Audio Workstation) es un sistema electrónico dedicado a la grabación y edición de audio digital por medio de un softwarede edición de audio; y del hardware compuesto por un computador y una interfaz de audio digital, encargada de realizar la conversión analógica-digital y digital-análogo dentro de la estación.

dice hernán, el grabador, técnico, guitarrista principal y alma matter del disco de Florencia y los monos de la odisea del Espacio que el Adobe Audition no es nada maravilloso, que en realidad es una mierda ese programa. 

*fotos tomadas por hernán durante la grabación del disco de Florencia y los monos de la odisea del Espacio.

Grabación (2)

El segundo día grabamos El Funeral. Como no había venido Paula (la bajista), se nos ocurrió grabar la guitarra y la voz. Pero la idea principal era grabar solamente todas las baterías primero.
No sé qué tenía que ver que esté o no Paula, pero lo hicimos, a lo de grabar la guitarra y la voz, sólo para probar.

La batería la grabamos (como a todo después) con un condenser http://en.wikipedia.org/wiki/Microphone que colgaba de un pie de micrófono roto, agarrado a una cinta de papel. Yo tocaba la guitarra enmudecida por los auriculares, uno salía para Jopi (el batero), otro para mí (la guitarra base de todas las canciones). Jopi se guiaba de un 1, 2, 3, 4 inicial, y después mirándome mover la cabeza y la boca con cada cambio, o para la letra de la canción. Se sabía las letras de memoria :)
Hernán, nuestro grabador, técnico, productor y guitarrista principal daba la orden de 'grabando' y la pista del Audio Adobe (después voy a hablar de este maravilloso programa) corría.

El condenser es un Samson que se ve más o menos así:

lo poníamos cerca del bombo, medio arriba, a unos 30 o 50cm de distancia. No sé. Atrás de la batería, rodeándola digamos hay un colchón y dos cajones de madera. La luz es tenue. Nos quedamos en silencio, expectantes, cada vez que el último compás de la batería suena. La pista corre sola. Después escuchamos lo grabado y vemos de hacer otra toma si no está bien. A veces el tempo no coincide.

                                 

Grabación (1)

Después de una larga discusión y dilución de susceptibilidades llegamos a un acuerdo. Programamos el registro de todos los temas que habíamos hecho en tres años (la banda empezó en el 2009). El 21 de mayo del 2012, día lluvioso, fue el primer día de grabación de Florencia y los Monos de la Odisea del Espacio.

*Día 1: ensayar fuertecito por lo menos 2 temas: El Funeral y Sigo Buscando > este hasta la muerte.

Nota:

El Funeral: flanger. Delay: level < back > time > mode !


                 

Qué esperás (2012)

Fue tal vez el día de más calor en esa provincia que hasta hace poco tiempo me era tan ajena. Era la primera vez que me subía a un avión. Todo coincidió por suerte. Me dieron las vacaciones y venía Morrissey. Ya lo había visto al tipo allá por el 2004 en el primer Personal Fest que se hizo, había sido buenísimo, era la época de You are the Quarry y yo estaba re de novia y era feliz. Esta vez el panorama pronosticaba bienestar, no era exactamente feliz, pero estaba bien. Viajé con Guido, que me sacaba fotos en el aeropuerto con un Samsung básico. No tuve miedo en ningún momento en ese avión. Dormí las 2hs y poco más de vuelo. Sólo me movilicé un poco con el descenso, que te da una sensación bastante profunda en la cabeza con cada bajada. Esperamos bastante el equipaje ese día, pero nos divertimos viendo lo potros que eran unos chabones de un equipo de rugby de Chile. Cuando por fin pudimos recoger nuestros bolsos y salir del aeropuerto, el calor porteño y el vapor del río nos pegó en la cara. Teníamos que tomar bondis distintos, Guido iba a lo de la Cló y yo a lo de la Sazy, una en Almagro y la otra en Congreso. Cuando llegué a lo de la Sazy, ella se había ido al súper en busca de provisiones. Me senté en la puerta del edificio a escuchar Morrissey en el Ipod, cagada de calor, o sea, venía de Tucumán, la ciudad más irrespirable de la Argentina tal vez, y resulta que Buenos Aires, oh, Buenos Aires, estaba más húmedo que el pingo. Cuando llegó la Sazy nos abrazamos emocionadas como siempre y subimos al departamento. No sé bien qué hice durante el tiempo que transcurrió entre que dejé el bolso y el cuarto de ++**ci**++ que tomé, el campari, el porro, unas papas a la crema, una manito de cóctel para tomar ++**c+**, la Lourdes, la Carla, el Mocho que se cayó de la silla y la rompió, mi remera de Carver, el short lila, otro cuarto de ++**do**+ y finalmente partir hacia el recital en subte, tren, ómnibus (no me acuerdo), con mucho alcohol, ++**+ga** y calor en la mente. Mi segunda vez de ver a mi ídolo máximo del universo.
Llegamos sobre la hora, nos chorreaba la transpiración. Me quitaron mi botella de agua al entrar. Tenía el pantalón completamente adherido al cuerpo. Con el Mocho nos dieron ganas de entrar al baño. Ahí creo que lo vimos a Juan, Valentina y Alfredo, otros amigos de Tucumán, pero que no viven en Buenos Aires, que estaban de visita como Guido, el Mocho y yo. Que habían ido a verlo al capo, igual que nosotros. Creo que todos por primera vez. Para entrar al baño químico tuve que hacer cola. Cuando logré entrar me acuerdo que nunca me había sentido tan mal durante unos segundos interminables que duró mear, tratar de limpiarme, tratar de subirme el pantalón con la cantidad de agua que me caía del cuerpo, tratar de no ensuciarme en ese baño roñoso y oscuro, etc. El Mocho me esperaba en la puerta, compramos un agua mineral que nos salió un montón de $$$, y finalmente nos encontramos con las otras hacia el final o parte de atrás de la cancha donde muy lejos estaba el escenario donde tocaría Steven Patrick. Por el costado del club pasaba un tren. Había muchísima gente. Creo que estaba tratando de prender un cigarro cuando empezaron a sonar los primeros acordes de First of the Gang. Empezamos a gritar con la Sazy y como dos enanos locos, nos abrazamos y empezamos a saltar alejándonos del resto y metiéndonos en el medio de la turba iracunda, pretendiendo inocentemente llegar al escenario, cosa que obviamente nunca sucedió, ya que en mitad del camino nos empezó a faltar el aire mal y tuvimos que volver, ya despacio y desilusionadas, mientras ya se escuchaba You Have Killed me. Sí, arrancó con toda el viejo culiao, después bajó, después remontó. Lo veía chiquitito, con una camisa amarillo-oro, otra azul, otra roja -no sé si ese era el orden-, pero no me importaba nada, yo estaba disfrutando del recital, a pesar del deshidratamiento, a pesar del dolor y confusión que tenía en la cabeza a causa de todo lo que había consumido. Yo cantaba a los gritos, saltaba, a pesar de todo, a pesar de que las otras estaban sentadas y riéndose de mi emoción. Hubo momentos de oscuridad intensa como cuando cantó Meat is Murder, pero qué esperan los que se quejaron de ese momento. En serio, qué esperan de un artista. ¿Esperan que cumpla con sus expectativas?¿Que cante las canciones que justo querías escuchar? Ni que fuera una radio. Sí, por ahí no cantó los mejores temas de Ringleader o de Years of Refusal, pero tampoco son de sus mejores discos. Si vas a ver a Morrissey o bandas retiradas a esta altura de tu vida es porque sos fan de la banda. No es una muestra de arte (?). Así que en mi humilde opinión estuvo muy bien que el recital no fuera lo que todos esperaban. Me encantó que no fuera hitero, que no quiera ser un tipo agradable -porque no lo es-, que divulgue lo que piensa sobre el hecho de comer carne -porque le pese a quién le pese ese tema para él no es nuevo y lamentablemente el tipo tiene su ideología y así la transmitió siempre-, además después de semejante carrera, la verdad es que haga lo que quiera. A mí me gustó el recital, me pareció visceral oscuro, y el tipo viene de esa onda. How soon is now? fue uno de los mejores momentos, aparte de la oscuridad la banda sonó impresionante. Creo que ese fue el final.

Me acordé de todo esto porque ahora el viejo viene de nuevo y ayer se hablaba por aquí de que el recital del año pasado había sido muy malo. Gente quejosa y que espera demasiado de los artistas que ya están grandes para tanta boludez.

*Ese día terminamos caminando de regreso a una parada de colectivo. Lo hicimos subir al Mocho a un bondi, algo realmente increíble. Fuimos a un restorán vegetariano, o vegano, donde estaban Joaquín Furriel, Eme y Rodrigo de la Serna. A mí se me partía la cabeza en mil pedazos. Me tomé un migral, un rivotril. Fui al baño al mismo tiempo que Rodrigo de la Serna. Suspenso. No pasó nada. Sólo nos miramos y cada uno entró a su baño. Me lavé la cara un montón de veces. Subí y ya estaba mi sanwich veggie. Me miré con Eme, bah, en realidad yo sólo podía mirar la nada, pero Eme creyó que yo la miraba a ella y empezó a hablarme. Yo no le entendía nada así que le dije 'sí, estos son mis amigos', y me reí. La miraba porque me decían que se parecía a una amiga nuestra. Yo no sabía quién pingo era Eme. Después se fue y me dijo provecho. Todos se rieron y empezaron a gastarme con que Eme era mi novia ñiñiñiñiñi. Fin de la historia.

El cuchillo bajo el agua (1962)

Esta es una imagen del interior del barquito donde transcurre "El Cuchillo bajo el agua" de Roman Polanski. Una película simple e increíblemente filmada. La cosa comienza así: un muchacho se cruza en el camino de esta pareja mientras practica autoestopismo. La pareja lleva al joven con ellos a su paseo en barco, el joven tiene un cuchillo, no sabe nadar, ni nada acerca de barcos. El señor que vemos con el cuchillo en mano gusta de buliar, la chica gusta de presumir, y el barquito avanza lento y atolondrado por las aguas tranquilas y desoladas de algún lugar de Polonia. Polanski construye con esto una película llena de textura, opresiva y divertida que no te va a hacer llorar, ni pensar demasiado, ni nada, pero con un par de buenas canciones, un par de buenos diálogos y escenas anodinas, te va a generar una tensión que va a durar de manera absurda hasta el último segundo de la peli. Eso, véanla. Primer largo de este capo del cine que se mandó una muy fea y mala hace poco como "Un dios salvaje", todo lo opuesto a esta joyita.

Funny Haha (2002)

Esta es una escena de Funny Ha Ha (2002), de Andrew Bujalski, una película que te va a asustar de parecida a vos. Jaja. No, en serio, nunca vi un grupo de jóvenes con tantas similitudes a cualquier grupo de jóvenes indies tucumanos. A pesar de que estos chicos apenas pueden terminar una oración, la película básicamente tiene como soporte unos diálogos buenísimos, donde nadie puede comunicar nada,  y los personajes deambulan en sus balbuceos hasta la ridiculez. Parece lenta la cosa, tropezada, pero el ritmo que va tomando con el pasar de los minutos es realmente muy cálido, y uno termina queriendo un montón a estos inútiles emocionales. Filmada con un realismo hermoso, casi de vhs, pero es 16mm, Funny Ha Ha es la 1ra película de Andrew Bujalski, el chico que le abrió las puertas al buen indie joven norteamericano. Por otro lado, pensé mucho en Girls y en Lena Dunham. Me parece que van por el mismo lado, y eso me gusta, porque no parece estar tan bueno el mundo en el país de los sueños tampoco, ni para las clases medias educadas.

Pecker (1998)

Esta foto es de la película de John Waters "Pecker" (1998). Pecker está filmada en Baltimore, como todas las pelis de Waters, pero además de eso tiene como principal ingrediente el amor por el lugar al cual uno pertenece. Pecker es un chico al que le gusta mucho sacar fotos, trabaja en una sanguchería, tiene una novia que trabaja en una lavandería, un padre que tiene un bar, una hermana que tiene una bolicha, una madre que tiene una feria americana, una abuela que hace hablar a la virgen María, una hermanita adicta al azúcar, un mejor amigo ladrón. Así como la familia nuclear de Pecker, todo Baltimore tiene su rareza y su encanto, que es justamente lo que capta Pecker a través de su cámara, y sobre todo ese encanto de lo común y corriente, del barrio. Esto llega a una curadora de arte de NY, interpretada por la capa de Lili Taylor, quien quiere hacer de Pecker una estrella del arte moderno. Y bueno, ahí va a empezar a ocurrir el desastre, las diferencias culturales, el planteo entre ser una buena persona o un gran artista, etc. Toda una serie de planteos a los que Waters ya nos ha acostumbrado cuando era más trash, pero que siguen vigentes a pesar de la prolijidad que adquiere en los 90's. Lo más importante es que todo lo que pueda ocurrir en la vida de Pecker, sea visto como malo o bueno, está visto desde el más profundo sentido del humor y amor por el cine. Los personajes más detestables y raros, todos, se convierten en seres adorables y únicos. Y a Waters, como a todo capo, le chupa un huevo qué es lo bueno y qué es lo malo según el sentido común. Lo bueno y lo malo es lo que te dicta tu corazón. Sori que termine así, pero es así. 

Rumblefish (1983)

un plano contrapicado exageradísimo de un cartel que dice 'the motorcycle boy reigns', la voz idiota de un chico llamado rusty james. unos chicos juegan al pool en un bar de mala muerte con él. un blanco y negro líquido. el chico usa sudadera, parece que hace calor. hablan de ir a hacerse cagar con unos. un negro que parece un detective, o un informante, no sé. el tiempo que suena de fondo. peces de colores. un tipo que vuelve, un tipo de voz suavecita, el jefe de la banda, el ídolo, el hermano mayor, el que lo ha probado todo. Esto es La Ley de la Calle o Rumble Fish, una película dirigida y escrita por FFCoppola en los 80's. con un mickey rourke increíblemente hermoso y un jovencísimo Matt Dillon. dos hermanos que se reencuentran, dos marginales hijos de padres disfuncionales y abandónicos. uno mucho más pícaro que el otro -lo cual se nota hasta en la tonalidad de las voces-. un policía ensañado con la supuesta delincuencia de estos muchachos. amigos que no pueden impedir la tragedia, amigos que traicionan. una banda sonora impresionante a cargo de stewart copeland (el entonces baterista de the police). tom waits como el cantinero que filosofa acerca del sentido de la existencia y del tiempo, muy de fondo, casi en off. la percepción del chico de la motocicleta afectada por una leve sordera y un acentuado daltonismo, que hace que la película parezca condensada en una especie de pecera, o taper. y bueno, estos peces, que pelean hasta morir, peces luchadores. Una reflexión sobre el tiempo, la marginalidad, lo fugaz, la amistad y la impaciencia de la muerte. una película con mucha técnica, mucha plástica, textura, grumos. una explosión de sensaciones (jaja). muy hábil don coppola, pero bueno, eso no es ninguna novedad.

Krajobraz po bitwie (1970)

Este afiche pertenece a la película de Andrzej Wajda, Paisaje después de la Batalla (1970). Una película sobre un montón de polacos peligrosos para la sociedad que son dejados en libertad en otro campo de concentración, donde siguen comiendo la misma mierda, cagándose de frío, pero con"la ventaja de que los norteamericanos los han liberado" y de que la guerra ha terminado. El paisaje después de la batalla de Wajda son cuadros musicalizados por Vivaldi y Chopin, cuadros perfectos: fríos, despojados, cálidos, otoñales. Todo se escucha claramente en esta película, desde un disparo hasta el viento en las hojas, o el suspiro. Escenas llenas de una sensualidad totalmente desolada, de símbolos, fantasmas, apariciones. Personajes tan locos como lúcidos, sobre todo el protagonista, que es quien tiene la visión más cercana y devastadora de ese espectáculo que es el final de la guerra para estos polacos, que piensa que la libertad es la seguridad o el acostumbramiento a un campo de concentración. Para él es lo mismo. Bueno, eso. Excelente película de este genio que es Wajda.

http://www.cinematismo.com/biografias/andrzej-wajda/

Sex, lies and video tape (1989)

Durante la falta de internet en la balcarce vi esta película que bajé hace un tiempo cuando la tere me la sugirió fuertemente. me acuerdo que cuando salió por esta parte del mundo, allá por los 90's era como una película prohibidísima, es decir: Sexo, Mentiras y Video. así que desde ese entonces la he tenido en mente como una de esas cosas que hay que ver porque los adultos decían que era muy prohibida. finalmente, antes de ayer, logré mi cometido y, debo decirles que, a pesar de que sea de soderbergh (cineasta que me tiene sin cuidado y hasta me parece medio un pelotudo), en esta, su primera película, está muy bien. La película se trata sobre los problemas sexuales de dos personajes principalmente, uno (andie mcdowell), una chica reprimida, bien, hermosísima, recién casada y ama de casa, que piensa que el sexo no es necesario, que es un detalle, que ni siquiera se ha masturbado realmente una vez; y otro (james spader), que es impotente y filma videos de mujeres hablando de sus experiencias sexuales, y con eso, capaz, se calienta -el chabón no puede tener ningún contacto físico, prácticamente. Por otro lado, el marido de Ann (peter gallagher), un salame abogado que se acuesta con la hermana de su mujer, y esta, la hermana, que ha desencadenado todo su sentimiento de inferioridad para con su hermana, culiándose al marido de esta. Bueno, ese es el marco, digamos. Creo que en toda la película no hay sexo, o si lo hay, no me di cuenta. La música es impresionante: el ambient de Cliff Martinez, el mismo que de Drive. Las manos de andie mcdowell son de lo más hermoso que vi en mi vida. La delicadeza del cuerpo de james spader, la candidez y la fragilidad de su sonrisa. Lo muñeco articulado vestido de los 80's de peter gallagher, la viyera de Laura San Giacomo, que parece no haber hecho otra cosa que de "chica vulgar". el VHS. la intimidad. lo mínimo. algunos diálogos como el que tienen en el bar cuando él le dice que leyó que las mujeres se sienten cada día más atraídas por las personas que aman, y los hombres aman cada vez más a la persona que les atrae. el de ella con su marido cuando le pregunta si tiene un affair. las conversaciones de las hermanas. Todo muy frágil y delicado. nada de sexo. sólo un par de seres humanos que luchan a través de sus problemas sexo-afectivos con los demonios que los circundan. por ahí están al borde de volverse unos ñoños, pero no. sólo son frágiles. otros imposibles de rescatar. otros redimibles, pero sobre todo ellos dos, los personajes principales, son un despliegue de delicadeza y desesperación reprimida por amar (?).

Pretty in Pink (1986)

la foto pertenece a los personajes de Pretty in Pink (1986), escrita por john hughes, uno de los padres del llamado Brat Pack, que con nuevas y frescas caras y actuaciones pretendía darle una vuelta de tuerca al cine norteamericano. bueno, Pretty in Pink es para mí el mejor ejemplo de eso hasta ahora. de repente siento que me estuve perdiendo todo este tiempo la mejor película sobre adolescentes de los 80's y capaz de todos los tiempos. les juro que no exagero. que es una gran película. primero porque además de tener a la mejor actriz del Brat Pack (molly ringwald, esta bella coloradita), la historia es excelente. desde un comienzo la película te plantea que no va a ser la típica película de niños adolescentes: ves a andie, el personaje de molly, alistarse para la escuela y levantar a su padre que todavía duerme y que es el genio de harry dean stanton. ahí vos te preguntás qué onda, por qué esta criatura tiene que levantar a su padre, hacerle el desayuno... por qué el hombre duerme solo, dónde está la madre, no trabaja? etc. después pasamos a la escuela, donde ya aparecen los otros dos o tres personajes que ven a ser los autores del conflicto y el desenlace de la historia. una historia que no tiene nada fuera de lo común, por otro lado, pero que está narrada de una manera tan encantadora. la fotografía es impecable, todo es como gris y rosa, pero un gris con matices luminosos y un rosa apagado, lúgubre, ochentoso. a eso hay que agregarle el vestuario de andie, que es hermosamente ridículo, ya que ella es una chica de clase media baja, pobre, digamos, y ese va a ser el eje del conflicto, porque andie se enamora de un niño rico, de familia 'bien'. andie además trabaja en una tienda de discos (sí, perdón por el anacronismo, pero es una tienda de discos), donde tiene una amiga (la dueña, que debe tener mi edad #31años, y se siente vieja), y a la que acuden diariamente su mejor amigo duckie (jon cryer, en una excelente actuación que en un momento lo lleva a interpretar Try a little tendernes de Otis Redding) y también su futuro amor Blane, el niño rico.

El planteo de la película va desde una suerte de cenicienta de los 80's hasta la lucha de clases, pasando por la idiosincrasia yankie del blanco heterosexual y rico, y con el filtro de la importancia del amor, la educación sexual, la escuela y la noción de familia en un adolescente que está por dejar de serlo. andie es una chica inteligente, sencilla y adorable, que sólo quiere lo que cualquier otra persona en el mundo: enamorarse de alguien que la respete y la quiera por lo que es, y tener qué ponerse para ir a la fiesta de fin de curso y no sentirse incómoda. la película tiene una filmografía (?) de la puta madre, buenas actuaciones  (salvo por andrew, mi vida, que lo mejor que tiene además de ser potro es que parece de heroína todo el tiempo, con unas ojeras y unos labios color violeta), una banda sonora que incluye el temón de psychedelic furs que le da nombre al filme, the smiths, INXS, OMD. bueno, creo que hablé un montón, pero no dije lo suficiente. veanlá, no sean giles B-)


(?) Quise decir cinematografía, obvio que no me di cuenta.

The Outsiders (1983)

ponyboy y johnny boy son dos greasers o villeros, acaban de escapar de la muerte de un soc, un cheto. se refugian en una vieja y derruida iglesia. pasan una larga semana, padeciendo frío y hambre, nada mucho peor que de donde vienen. se cortan el pelo con una navaja, la misma que usó johnny para salvar a su amigo. Dally (otro greaser más grande), los mandó a que se refugiaran ahí. leen gone with the wind. a ponyboy le interesa la literatura, de hecho la primera escena de The Outsiders (1983), muestra a un ponyboy no tan greasy escribiendo una historia. sobre un atardecer cae la melodía completa de stay gold de stevie wonder. atardeceres dorados, peleas callejeras, adolescentes abandonados a la buena de dios, huérfanos, hermanos, amigos, héroes. todo eso y más son estos niños indefensos, que en su afán por ser fuertes van a soportar en menos de lo que canta un gallo toda la dureza de la que la vida es capaz, sobre todo cuando de los que están fuera se trata. "stay gold", le dice johnny boy a su amigo, recordando el poema de robert frost que pony le recita en aquel atardecer. pero to stay gold, mantener esa inocencia, tal vez sea lo más difícil de perseguir en la precaria existencia de estos chicos. a pesar de que pony sabe, como bien dice el poema, que nothing stays gold, él va intentar zafar de todo lo greasy de su existencia, teniendo en mente siempre al capo de johnnyboy. la peli es de francis ford, otra vez matt dillon destacándose como el verdadero rebelde sin causa, unos jovencísimos patrick swayze, rob lowe, emilio estevez, tom cruise, diane lane. todos capos y de enormes corazones. cine